Alfred Hitchcock

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Alfred Hitchcock fue un director y productor de cine británico-estadounidense, conocido por sus películas de suspenso y suspenso. Es famoso por su capacidad para mantener el ritmo y el suspenso durante toda una película.Primeros díasAlfred Joseph Hitchcock nació en Leytonstone, Londres, el 13 de agosto de 1899, hijo de William y Emma Jane Hitchcock. Cuando Alfred tenía 14 años, su padre murió. Alfred dejó el internado para estudiar en la Escuela de Ingeniería y Navegación. Después de su graduación, se convirtió en dibujante y diseñador publicitario en una compañía de cable.Carrera temprana y matrimonioPor esa época, Hitchcock se sintió intrigado por la fotografía y comenzó a trabajar en el cine en Londres. Diseñó títulos para películas mudas. En 1925, Hitchcock tuvo la oportunidad de dirigir su primera película, El jardín del placer. No fue un gran éxito, ni tampoco su segunda película, El águila de la montañaHitchcock se casó con Alma Reville en 1926. La pareja permanecería casada hasta su muerte en 1980.El género de suspenso trae éxitoEl joven director cambió su género al suspenso. El resultado inicial fue The Lodger: Una historia de la niebla de Londres (1927), basada en la primera novela que presenta una solución a los asesinatos de Jack-the-Ripper. Fue la primera película en revelar el estilo de suspenso "Hitchcockiano", y la primera de las 37 apariciones de Hitchcock en sus propias películas. En 1929, Hitchcock comenzó a trabajar en su décima película, Chantaje. Esa película también inició el hábito de Hitchcock de usar lugares famosos como telón de fondo de una historia. El clímax de Chantaje tuvo lugar en la cúpula del Museo Británico. Hitchcock comenzó a trabajar para Gaumont-British Picture Corporation en 1933. Su primera película para la compañía, El hombre que sabía demasiado (1934), fue un éxito. En 1935, Los 39 Pasos fue considerada la mejor película de su primera etapa. Selznick lo incitó a ir a Hollywood.A hollywoodPara comenzar su carrera en Hollywood, Hitchcock hizo su primera película estadounidense, Rebecca, en 1940. También hizo Corresponsal en el extranjero el mismo año, que también recibió una nominación a Mejor Película. En 1946 Alfred no solo dirigió, sino que produjo la película Notorio. Notorio sigue siendo una de sus películas más aclamadas. En 1948, la primera película en color de Hitchcock, Soga, fue lanzado. Esa película fue protagonizada por James Stewart; sería la primera de las cuatro películas de Alfred Hitchcock que protagonizó. Los años 1954 y 1955 demostraron ser una buena racha para Hitchcock, con el estreno de tres películas populares, todas protagonizadas por Grace Kelly. El primero, Marque M para asesinato, coprotagonizada por Ray Milland, presentó cinematografía en 3D. La ventana trasera también protagonizada por James Stewart, y Para atrapar a un ladrón protagonizada por Grace Kelly y Cary Grant. Henry Fonda protagonizó la Hombre erróneo (1956), que se basó en la historia real de un hombre inocente confundido con un criminal. Cuando Vértigo se estrenó en 1958, fue un fracaso comercial, pero desde entonces se ha hecho conocido como una obra maestra de Hitchcock. Hitchcock siguió esa película con tres películas muy diferentes, todas las cuales fueron grandes éxitos. Los tres también son reconocidos entre sus mejores películas: norte por noroeste (1959), Psicópata (1960) y Las aves en 1963. Las cuerdas chirriantes en la escena del crimen en Psicópata empujó los límites del tiempo, y sigue siendo escalofriante hasta el día de hoy. Las aves usó una banda sonora producida electrónicamente. La carrera de Hitchcock terminó después de esas películas. Parcela familiar en 1976 fue su última película.El final, con honoresEn los Honores de Año Nuevo de 1980, Alfred Hitchcock fue nombrado Caballero Comandante de la Orden del Imperio Británico por la Reina Isabel II. Había seguido siendo un súbdito británico cuando adquirió la ciudadanía estadounidense en 1956, por lo que tenía derecho a ser conocido como Sir Alfred Hitchcock y usar las letras postnominales KBE. El 29 de abril de 1980, Alfred Hitchcock murió de insuficiencia renal en su Bel Air, Los Ángeles, en casa, a la edad de 80 años. Le sobrevivieron su esposa Alma Reville y su hija, Patricia Hitchcock O'Connell. Su cuerpo fue incinerado; no hubo funeral público ni servicio conmemorativo.


Biografía

Alfred Hitchcock nació en Leytonstone, Inglaterra, el 13 de agosto de 1899. Era el menor de tres hijos de William y Emma Jane Hitchcock.

Después de asistir a una escuela técnica a los 15 años, Hitchcock pasó los primeros años de su carrera como dibujante, diseñador publicitario y escritor. Su interés por la fotografía lo llevó a trabajar en la industria cinematográfica de Londres, primero como diseñador de tarjetas de presentación para películas mudas y, solo cinco años después, como director.

En 1926, Hitchcock se casó con su subdirectora, Alma Reville, y en 1928 tuvieron una hija, Patricia.

Hitchcock rápidamente ganó notoriedad como director que entregó suspenso, finales retorcidos y temas oscuros. Su propia personalidad y humor de horca se incrustaron en la cultura popular a través de entrevistas, avances de películas y apariciones en sus propias películas. Era popular entre el público nacional y extranjero, y en 1939 la familia Hitchcock se mudó a Hollywood. En las tres décadas que siguieron cimentó su legado dirigiendo y produciendo sus obras más exitosas y perdurables. Su antología televisiva, Alfred Hitchcock Presents, se publicó entre 1955 y 1965 y lo convirtió en un nombre familiar.

Durante su carrera, creó más de cincuenta largometrajes en una carrera que vio no solo el desarrollo del estilo de dirección distintivo de Hitchcock, sino también innovaciones históricas en el cine. En 1929, Chantaje fue su primer largometraje con sonido y en 1948, su primera película en color fue Cuerda. Al propio Hitchcock se le atribuye el mérito de ser pionero en muchas técnicas de cámara y edición para que sus compañeros y aspirantes a directores las emulen.

Hitchcock recibió muchos elogios profesionales, incluidos dos Globos de Oro, ocho Premios Laurel y cinco premios a la trayectoria. Fue nominado cinco veces al Oscar a Mejor Director y en 1940, su película Rebecca ganó el Oscar a Mejor Película. En 1980, recibió el título de caballero de manos de la reina Isabel II.

Sir Alfred Hitchcock, esposo, padre, director y maestro del suspenso, falleció el 29 de abril de 1980.


Creciendo con miedo a la autoridad

Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone en el East End de Londres. Sus padres eran Emma Jane Hitchcock (de soltera Whelan), que se sabía que era terca, y William Hitchcock, un tendero, que se sabía que era severo. Alfred tenía dos hermanos mayores: un hermano, William (nacido en 1890) y una hermana, Eileen (nacida en 1892).

Cuando Hitchcock tenía solo cinco años, su estricto padre católico le dio un gran susto. Intentando darle una lección valiosa a Hitchcock, el padre de Hitchcock lo envió a la estación de policía local con una nota. Una vez que el oficial de policía de turno leyó la nota, el oficial encerró al joven Hitchcock en una celda durante varios minutos. El efecto fue devastador. Aunque su padre estaba tratando de enseñarle una lección sobre lo que les sucedía a las personas que hacían cosas malas, la experiencia dejó a Hitchcock conmocionado hasta la médula. Como resultado, Hitchcock siempre tuvo miedo de la policía.

Un poco solitario, a Hitchcock le gustaba dibujar e inventar juegos en mapas en su tiempo libre. Asistió al internado de St. Ignatius College, donde se mantuvo alejado de los problemas, temeroso de los jesuitas estrictos y sus azotes públicos de niños que se portaban mal. Hitchcock aprendió dibujo en la Escuela de Ingeniería y Navegación del Consejo del Condado de Londres en Poplar de 1913 a 1915.


Alfred Hitchcock

El director y productor Alfred Hitchcock popularizó tanto el término "MacGuffin" como la técnica, con sus películas Número diecisiete (1932) y Los 39 Pasos (1935) siendo ejemplos tempranos del concepto.

Según algunas fuentes, se cree que el escritor Angus MacPhail originalmente acuñó el término.

Hitchcock explicó el término "MacGuffin" en una conferencia de 1939 en la Universidad de Columbia:

[Tenemos] un nombre en el estudio, y lo llamamos "MacGuffin". Es el elemento mecánico que suele aparecer en cualquier historia. En las historias de delincuentes casi siempre es el collar y en las historias de espías casi siempre son los periódicos.

En 1944, TIEMPO informó Hitchcock diciendo: "El McGuffin es lo que persigue el héroe, de lo que trata la imagen. Es muy necesario" antes de continuar con la explicación: [1]

De ninguna manera original con Hitchcock, el McGuffin es una vieja broma británica sobre un hombre que lleva paquetes en un tren y se encuentra con otro hombre, quien pregunta:
"¿Qué hay en el paquete?"
"Un McGuffin."
"¿Qué es un McGuffin?"
"Un McGuffin es un animal pequeño con una cola larga, amarilla y manchada, que se usa para cazar tigres en Nueva York".
"Pero no hay tigres en Nueva York".
"Ah, pero este no es un McGuffin real."

El siguiente mes, TIEMPO publicó una carta de Jack Moffitt de Warner Bros .: [2]

El director Alfred Hitchcock es un advenedizo británico sin conocimiento del idioma de Hollywood. Lo que persigue el héroe no es un McGuffin, sino un wenie y lo ha sido desde los días de Mack Sennett. Las perlas robadas se colocaron en un wenie. El wenie fue robado por un perro. Y el perro fue perseguido por todos, incluidos los policías de Keystone. Todavía lo están persiguiendo.

Entrevistado en 1966 por François Truffaut, Alfred Hitchcock ilustró el término "MacGuffin" con esta historia:

Podría ser un nombre escocés, tomado de una historia sobre dos hombres en un tren. Un hombre dice: "¿Qué es ese paquete que está en el portaequipajes?" Y el otro responde: 'Oh, ese es un McGuffin'. El primero pregunta '¿Qué es un McGuffin?' "Bueno", dice el otro hombre, "es un aparato para atrapar leones en las Tierras Altas de Escocia". El primer hombre dice: 'Pero no hay leones en las Tierras Altas de Escocia', y el otro responde '¡Bueno, entonces ese no es McGuffin!' Como ve, un McGuffin no es nada en absoluto.


Hitchcock presenta: una breve historia de los extraños y salvajes programas de Hitchcock que una vez dominaron la televisión

En 1960, Alfred Hitchcock estaba en todas partes. Una de las obras maestras genuinas del director, "Psycho", fue lanzada ese año, inmediatamente después de "North by Northwest" el año anterior, que siguió a "Vertigo" y "The Wrong Man" y "The Man Who Knew Too Much". " "Los Pájaros" yacía delante de él.

El director de 60 años, que siempre había sido una figura familiar para algunos debido a sus cameos astutos en sus películas, se había convertido en un nombre familiar a través de sus películas y su programa de televisión, "Alfred Hitchcock Presents". La serie de antología de media hora comenzó en 1955 y duró 10 años, incluidos los años en que se amplió y se renombró "La hora de Alfred Hitchcock".

Agregue a eso "Alfred Hitchcock's Mystery Magazine", que había comenzado en 1956 a través de un acuerdo para licenciar el nombre del director, así como una serie de colecciones de historias de suspenso y suspenso, y la fama de Hitchcock como director no tenía comparación hasta que Steven Spielberg se convirtió en un nombre familiar en la década de 1970.

Los detalles de la vida de Hitchcock, a veces sórdidos y horribles, especialmente en lo que respecta a los informes de su comportamiento deshumanizante hacia las mujeres, incluidas algunas que protagonizaron sus películas, se han convertido en el forraje de muchas biografías.

Hoy, sin embargo, un vistazo a los programas de televisión que llevaban su nombre y que presentó con lo que parece un gusto macabro.

¿Puedes nombrar a una celebridad en estos días que sea fácilmente identificable a partir de una caricatura de solo su perfil? El perfil de Hitchcock —dibujado en nueve trazos por el propio director, dice la historia— y la sombra fueron parte de los créditos iniciales de la mayor parte de la serie.

Esa es la marca en el orden del símbolo de glifo de Prince.

Cuando "Alfred Hitchcock Presents" se estrenó en CBS en 1955, la televisión ni siquiera estaba en su adolescencia. Si bien 47 millones de hogares tenían televisores en 1955, ese número comenzó a crecer en los próximos años, llegando a casi 53 millones en 1960 y más de 200 millones en la década de 1990.

En las décadas anteriores a los canales de cable y de pago como HBO, la mayoría de los espectadores sintonizaban solo tres redes, incluida CBS, y una o dos estaciones locales. La absoluta falta de opciones ayudó a llevar a los espectadores a programas como los que produjo Hitchcock. Muchos espectadores sintonizaron cada semana y escucharon su marca registrada "Buenas noches" y sus respiraciones entre frases.

La aparición de la silueta de Hitchcock, ambientada en la "Marcha fúnebre de una marioneta" de Charles Gounod, y las ingeniosas y a menudo horripilantes presentaciones del director mostraban lo que vendría en cada episodio: una obra de moralidad, una obra de inmoralidad, en realidad, no muy diferente de lo cómico. los lectores de libros vieron de EC Comics antes de ser expulsados ​​del mercado. Sin embargo, a diferencia de EC, el programa de Hitchcock no estaba dirigido a los jóvenes.

La serie duró media hora del tamaño de un bocado durante la mayor parte de su carrera, y ofreció historias inteligentes y de rápido movimiento con grandes elencos. Hitchcock dirigió sólo alrededor de una docena y medio de episodios de la serie, pero su imagen y su divertida entrega en la parte superior e inferior de cada uno de los 361 episodios, contando las dos series, reforzaron su estatus de culto.

A pesar de Rod Serling y su serie "Twilight Zone", un contemporáneo del programa de Hitchcock, o las películas de M. Night Shyamalan y sus giros que pronto se esperaban, la serie de Hitchcock construyó y reforzó continuamente la personalidad pública del director y el presentador.

Los mejores escritores y directores, y el joven Robert Redford

Hablando de "The Twilight Zone", hay un episodio particularmente espantoso de 1964 llamado "The Jar", en el que un campesino interpretado por Pat Buttram se obsesiona con una cosa no identificable pero ... parecida a una cabeza en un frasco en un espectáculo secundario de carnaval. Buttram compra el frasco y se lo lleva a su pequeño pueblo, donde se convierte en el brindis del pequeño burgo. Entonces todo sale terriblemente mal.

Pero espera ... "The Jar" no es un episodio de "Twilight Zone". Es un episodio de 1964 de "La hora de Alfred Hitchcock", y es una historia mucho más espantosa que la mayoría de las que contaron los escritores de Hitchcock. Y "The Jar" es, legendariamente, una hora de televisión que la mayoría de la gente cree erróneamente que fue un episodio de "The Twilight Zone".

Pero mientras que los programas de Hitchcock solían ser más moderados que "The Twilight Zone", la serie tenía más de su parte de episodios, escritores y directores memorables.

Sydney Pollack, quien dirigió películas por excelencia como "Tootsie", "Three Days of the Condor" y "Absence of Malice", dirigió dos episodios de Hitchcock. Uno, "Diagnóstico: peligro", se emitió en 1963 pero parece aterrador en este momento, mientras los investigadores de salud pública de Los Ángeles intentan rastrear y detener la propagación del ántrax en la ciudad.

“Off Season”, un episodio de 1965, se siente como una reunión de “Psycho”. Está escrito por Robert Bloch, el autor que creó Norman Bates y su madre en una novela de 1959. La estrella es John Gavin, quien protagonizó "Psicosis". Incluso hay un motel al borde de la carretera y un empleado de motel un poco espeluznante. Pero en lugar de Hitchcock detrás de la cámara, era William Friedkin, quien unos años más tarde dirigiría la que podría ser la mejor película de terror de todos los tiempos, "El exorcista".

Algunos de los episodios de la serie de Hitchcock son como pequeñas mini obras maestras y se comparan favorablemente con el estándar de oro, "The Twilight Zone". Algunos parecen un poco apresurados o incluyen un toque por gusto.

Pero, ¿dónde más puedes encontrar a Robert Redford y Gig Young como hermanos en un juego de póquer de alto riesgo contra gánsteres con dedos en el gatillo que pican? Bueno, en "A Piece of the Action", el primer episodio de una hora, de 1962.

Tropes y un reinicio, por supuesto

No trataría de argumentar que Hitchcock y todas estas empresas tenían el tipo de sinergia que tiene Disney hoy en día, al hacer películas que hacen la transición al servicio de transmisión de Disney +, que a su vez impulsa las suscripciones.

Pero la operación comercial que giraba en torno a Hitchcock y todos esos proyectos era notablemente ajustada. "Psycho" fue archivado en Revue Studios, compañía de producción de la serie de televisión de Hitchcock, con el equipo de la serie de televisión.

La serie tuvo primero dibs sobre los derechos para filmar cualquier historia de la "Alfred Hitchcock Mystery Magazine", según un artículo de 1964 en el Palm Beach Post. (La revista se fundó en Nueva York en 1956, pero sus oficinas se trasladaron a Florida en 1959.) Henry Slesar, un conocido escritor de la serie de Hitchcock, vio sus primeras historias publicadas en la revista, que todavía se mantiene fuerte.

Tenga en cuenta: algunos de los episodios del programa de televisión son en gran parte de la época, con bromas descartables que ni siquiera eran políticamente correctas en ese momento, y tramas que se basaban demasiado en el tropo de la mujer en peligro. La actriz Phyllis Thaxter, quien fue la Lois Lane original en la serie de televisión "Adventures of Superman", apareció en la serie de Hitchcock nueve veces. Parece que en cada episodio en el que la he visto, ha interpretado a una mujer emocionalmente dañada, que probablemente estaba más cerca del estereotipo televisivo de mujeres en ese momento que la valiente Lois.

La asociación de Hitchcock con la televisión y el programa que lleva su nombre continuó después de su muerte en 1980. Durante cuatro temporadas y 76 episodios a partir de 1985, NBC y EE. UU. Emitieron una versión rehecha de "Alfred Hitchcock Presents" que incluía algunas de las introducciones del director del original. serie. Fue parte de una tendencia televisiva de la década de 1980 y más allá de series de antología y resurgimientos de series como "The Twilight Zone".

Pero el reinicio de Hitchcock es apenas una ocurrencia tardía ahora, mientras que la serie original, o dos series, continúan reproduciéndose en canales de televisión por cable como MeTV, que "desnuda" el programa en un espacio nocturno la mayoría de las noches de la semana.

El maestro de lo macabro se sentiría como en casa a la medianoche.


La escena de la ducha de Psycho: cómo Hitchcock aumentó el terror y engañó a los censores

Alfred Hitchcock, el legendario & # x201C maestro del suspenso, & # x201D llamado Psicópata una broma.

De hecho, fue revolucionario. La película sorprendió al público con su infame escena de & # x201Cshower de 45 segundos, & # x201D, una secuencia desgarradora después de la cual nada volvería a verse igual.

Estrenada el 16 de junio de 1960, Psicópata rompió tabúes y convenciones cinematográficas. Hitchcock venía de norte por noroeste, un thriller romántico con los ídolos Cary Grant y Eva Marie Saint, rodado en el formato VistaVision de pantalla ancha y marcado por sus asombrosas secuencias de acción. Su seguimiento fue una película de terror en blanco y negro en la que mata al aparente personaje principal & # x2014Janet Leigh & # x2019s Marion Crane & # x2014 poco después de la película. Peor aún, es apuñalada hasta la muerte mientras se duchaba en el espeluznante Bates Motel, administrado por Norman Bates, interpretado por Anthony Perkins, cuya actuación como un travesti, obsesionado con la madre y maníaco de personalidad dividida ensombrecería cada serie de la pantalla grande. asesino por venir.

La secuencia se convirtió en una línea de demarcación en la historia del cine. & # x201C Hubo películas antes de la escena de la ducha y películas después de la escena de la ducha, & # x201D dice el cineasta Alexandre O. Philippe, cuyo documental de 2017 78/52: Escena de la ducha de Hitchcock & # x2019s explora Psicópata y su escenario característico en profundidad. (Su título alude a las 78 configuraciones de cámara y las 52 ediciones realizadas para la secuencia). & # X201CI Realmente fue un cambio de juego. & # X201D

Y no solo porque la película se jactaba de la primera escena de Hollywood con un inodoro.

Alfred Hitchcock con Janet Leigh en el set de Psycho. (Crédito: Sunset Boulevard / Corbis / Getty Images)

Psicópata se convirtió en la película más exitosa de Hitchcock en ese momento y su recaudación de taquilla, 32 millones de dólares, fue la segunda mejor de 1960, después de Espartaco. Pero se hizo a pesar de mucha resistencia. Paramount, el estudio que había producido varios de los éxitos del director & # x2019 en la década de 1950, se negó a financiarlo. Así que Hitchcock financió su presupuesto él mismo, en contra del consejo de sus propios productores. La película también sacudió a los censores que ejecutaron el debilitado Código de producción cinematográfica de Hollywood, también conocido como el Código Hays, que estuvo en vigor desde 1934 hasta 1968.

Los censores se opusieron a lo que percibieron como desnudez en la secuencia de la ducha. Leigh usó parches de piel de topo para ocultar áreas sensibles, al igual que su cuerpo doble, modelo pin-up y futuro. Playboy la estrella de portada Marli Renfro, quien se hizo cargo de los momentos más expuestos. Pero también estaba la escena de apertura, en la que Leigh & # x2019s Marion usa solo un sostén y una combinación, compartiendo una habitación de hotel con su amante divorciado. Los censores también querían que eso cambiara, pero el astuto director los engañó. Envió una copia de la escena de la ducha que no había cambiado, confundiendo a los censores sobre si habían visto algo o no. También los invitó al set donde volvería a filmar la escena de apertura ofensiva, pero ninguno de los censores apareció.

Gran parte de la escena, que se hizo un guión gráfico en consulta con el legendario diseñador Saul Bass (y tardó una semana en filmar), se filmó en primeros planos extremos, con ediciones rápidas, de modo que la desnudez y la violencia están implícitas & # x2014felt & # x2014pero nunca realmente visto. El juego de ducha se construyó de modo que se pudiera quitar cualquiera de sus paredes, lo que permite que la cámara se acerque desde todos los ángulos. Y Hitchcock empleó un disparo inverso en cámara rápida para que pareciera que la hoja realmente atravesó el abdomen de Marion.

Las cuerdas chirriantes del compositor Bernard Herrmann & # x2019s suben la tensión (era un uso novedoso de los violines, que por lo general se habían empleado en las bandas sonoras de las películas para realzar un sentido de romance o patetismo). no use ninguna banda sonora para la escena. Para hacer la experiencia aún más palpable, el sonido de la carne de Marion & # x2019 cediendo al cuchillo se creó al apuñalar un melón casaba. Hitchcock hizo que su equipo hiciera pruebas con múltiples variedades de melón hasta que encontraron el tipo adecuado.

El público ha tenido seis décadas para adaptarse a tal frenesí visual, pero en 1960, el mismo año en que películas tradicionales y saludables como Familia suiza Robinson y Por favor, no coma las margaritas También dominó la taquilla, verlo podría haber provocado el pánico.

Anthony Perkins en el set de Psycho, & # xA0 dirigido por Alfred Hitchcock. (Crédito: Sunset Boulevard / Corbis / Getty Images)

& # x201C Esa era una era en la que no se podía & # x2019t obviamente [pulsar] pausar y volver, & # x201D dice Philippe, & # x201C y mirarlo fotograma a fotograma. Les estaba diciendo [a los censores] la verdad. Imaginaba cosas que en realidad no veía. No ves violencia. No ves desnudez. No ves sangre, obviamente, jarabe de chocolate. En cuanto a cómo el director finalmente logró que la escena pasara por alto a los censores, Philippe aventura esta teoría: & # x201CHe & # x2019s divertido, él & # x2019s muy amistoso. Los encantó para que lo hicieran. No tengo una mejor explicación. Es una especie de truco de magia. & # X201D

No todos los grandes cineastas sabían cómo realizar semejante truco. Michael Powell, el venerado director inglés cuyos clásicos incluyen Los zapatos rojos, arruinó su carrera con mirón, un thriller de 1960 sobre un asesino en serie voyeurista, que se estrenó unos meses antes de la película de Hitchcock & # x2019.

Psycho ha tenido una influencia generalizada en la cultura popular. Debutando en la cúspide de la turbulenta década de 1960, ayudó a marcar el comienzo de un cambio cultural definitivo desde la era Eisenhower. Su sugerencia, señalada por el crítico de cine Owen Gleiberman, de que los monstruos de las películas ya no eran Godzillas o extraterrestres que escupen fuego, sino que & # x201Corrió dentro de la cabeza de un hombre & # x201D pronto sería escrito en grande en el terror de la vida real engendrado. por asesinos en masa como Charles Manson y Charles Whitman.

La película anunció que & # x201Cmurder ahora iba a ser una forma aceptable de entretenimiento & # x201D, observa Bret Easton Ellis, autor de la novela de asesinos en serie. American Psycho, en 78/52. & # x201C Hubo violencia en el cine estadounidense, pero nada como Psicópata& # x2014 nada tan íntimo, nada diseñado, nada con ese tipo de implacable. & # x201D

Su elegante intensidad gráfica ayudó a inspirar los thrillers homicidas del italiano. giallo El movimiento y las películas de autocine slasher estadounidenses por igual, con cineastas ingeniosos como Brian De Palma y John Carpenter elaborando sus propios choques clásicos en deuda con el ejemplo de Hitchcock & # x2019s. Ha habido secuelas y remakes (Gus Van Sant & # x2019s 1998 Psicópata) y programas de televisión (& # x201CBates Motel & # x201D), baladas country (la canción de 1968 & # x201CPsycho & # x201D) y éxitos de la nueva ola (Talking Heads & # x2019 & # x201CPsycho Killer & # x201D con el cantante David Byrne como un versión superior de Norman Bates). Las referencias a la película aparecen en todas partes, desde & # x201CSaturday Night Live & # x201D hasta & # x201CThe Simpsons. & # X201D Asimismo, la música amenazante de Herrmann & # x2019, que ha sido grabada por la Filarmónica de Los Ángeles y emulada por John Williams para Mandíbulas.


Contenido

Una joven sin experiencia conoce al aristocrático viudo Maxim de Winter en la Riviera francesa y pronto se convierte en la segunda Sra. De Winter.

Maxim lleva a su nueva esposa de regreso a Manderley, su gran mansión junto al mar en el suroeste de Inglaterra, dominada por su ama de llaves, la Sra. Danvers, una persona fría que había sido una íntima confidente de la primera Sra. De Winter, Rebecca, con quien ella claramente todavía está obsesionada. Incluso ha conservado el gran dormitorio de Rebecca sin cambios y continúa mostrando varios elementos que llevan su monograma.

Finalmente, sus constantes recordatorios del glamour y la sofisticación de Rebecca convencen a la nueva señora de Winter de que Maxim todavía está enamorado de su primera esposa, lo que podría explicar sus irracionales arrebatos de ira. Intenta complacer a su esposo organizando una fiesta de disfraces como solían hacer él y Rebecca. Danvers le aconseja que copie el vestido que uno de los antepasados ​​de Maxim lleva puesto en un retrato. Sin embargo, cuando aparece con el disfraz, Maxim se horroriza porque Rebecca había usado un vestido idéntico en su último baile, justo antes de su muerte.

La Sra. De Winter se enfrenta a Danvers por esto, pero Danvers le dice que nunca podrá ocupar el lugar de Rebecca y casi la persuade de saltar hacia su muerte desde la ventana del segundo piso en la habitación de Rebecca. En ese momento, sin embargo, se da la alarma porque un barco ha encallado debido a la niebla y en el rescate de su tripulación se ha descubierto un barco hundido con el cuerpo de Rebecca en él.

Maxim ahora le confiesa a su nueva esposa que su primer matrimonio había sido una farsa desde el principio, cuando Rebecca había declarado que no tenía ninguna intención de cumplir sus votos, sino que fingiría ser la esposa y anfitriona perfecta por el bien de las apariencias. Cuando afirmó que estaba embarazada de su primo y amante, Jack Favell, se burló de Maxim diciéndole que la propiedad podría pasar a otra persona que no fuera la línea de Maxim. Durante una acalorada discusión, se cayó, se golpeó la cabeza y murió. To conceal the truth, Maxim took the body out in a boat, which he then scuttled and identified another body as Rebecca's.

The crisis causes the second Mrs. de Winter to shed her naïve ways as they both plan how to prove Maxim's innocence. When the police claim the possibility of suicide, Favell attempts to blackmail Maxim by threatening to reveal that she had never been suicidal. When Maxim goes to the police, they suspect him of murder. However, further investigation reveals that she was not pregnant but terminally ill due to cancer, so the suicide verdict stands. Maxim realizes that Rebecca had been trying to goad him into killing her via indirect suicide so that Maxim would be ruined.

A free man, Maxim returns home to see Manderley on fire, set ablaze by the deranged Mrs. Danvers. All escape except Danvers, who dies when the ceiling collapses on her.

    as the second Mrs. de Winter as George Fortescue Maximilian "Maxim" de Winter, owner of Manderley as Mrs. Danvers, housekeeper of Manderley as Jack Favell, Rebecca's first cousin and lover as Frank Crawley, Maxim's estate manager of Manderley and friend as Beatrice Lacy, Maxim's sister as Colonel Julyan as Major Giles Lacy, Beatrice's husband as Mrs. Edythe Van Hopper, employer of the second Mrs. de Winter as Frith, oldest butler of Manderley as Coroner at trial as Dr. Baker, Rebecca's doctor as Ben, the beach hermit at Manderley as Mr. Tabbs, boat builder as Chalcroft the innkeeper
  • Philip Winter as Robert, a servant at Manderley

Hitchcock's cameo appearance, a signature feature of his films, takes place near the end he is seen walking, back turned to the audience, outside a phone box just after Jack Favell completes a call.

At Selznick's insistence, the film faithfully adapts the plot of du Maurier's novel Rebecca. [2] However, at least one plot detail was altered to comply with the Hollywood Production Code, which said that the murder of a spouse had to be punished. [2] In the novel, Maxim shoots Rebecca, while in the film, he only thinks of killing her as she taunted him into believing that she was pregnant with another man's child, and her subsequent death is accidental. However, Rebecca was not pregnant but had incurable cancer and had a motive to commit suicide, that of punishing Maxim from beyond the grave. Therefore, her death is declared a suicide, not murder.

Hitchcock later said that Selznick wanted the smoke from the burning Manderley to spell out a huge "R", which Hitchcock thought lacked subtlety. While Selznick was preoccupied by Lo que el viento se llevó (1939), Hitchcock was able to replace the smoky "R" with the burning of a monogrammed négligée case lying atop a bed pillow. Hitchcock edited the film "in camera" (shooting only what he wanted to see in the final film) to restrict the producer's power to re-edit the picture. [3] But Selznick relished the post-production process he personally edited the footage, laid in Franz Waxman's score, and supervised retakes and extensive re-recording of the dialogue of Sanders, Bates and Fontaine. Rewrites and reshooting were called for after a rough cut was previewed on December 26, 1939. [4]

Although Selznick insisted that the film be faithful to the novel, Hitchcock did make some other changes, though not as many as he had made in a previously rejected screenplay, in which he altered virtually the entire story. In the novel, Mrs. Danvers is something of a jealous mother figure, and her past is mentioned in the book. In the film, Mrs. Danvers is a much younger character (Judith Anderson would have been about 42 at the time of shooting), and her past is not revealed at all. The only thing known about her in the film is that she came to Manderley when Rebecca was a bride.

The Breen Office, Hollywood's censorship board, specifically prohibited any outright hint of a lesbian infatuation or relationship between Mrs. Danvers and Rebecca, [5] : 70 though the film clearly does dwell on Danvers' obsessive memories of her late mistress.

El reportero de Hollywood reported in 1944 that Edwina Levin MacDonald sued Selznick, Daphne du Maurier, United Artists and Doubleday for plagiarism. MacDonald claimed that the film Rebecca was stolen from her novel Blind Windows, and sought an undisclosed amount of accounting and damages. [6] The complaint was dismissed on January 14, 1948 [7] and the judgment can be read online. [8]

Production credits Edit

The production credits on the film were as follows:

  • Director - Alfred Hitchcock
  • Producer - David O. Selznick
  • Screenplay - Robert E. Sherwood and Joan Harrison
  • Cinematography - George Barnes (photography)
  • Art direction - Lyle R. Wheeler (art direction), Joseph B. Platt (interiors designed), Howard Bristol (interior decoration)
  • Music - Franz Waxman (music), Lou Forbes (music associate)
  • Special effects - Jack Cosgrove
  • Film editor - Hal C. Kern (supervising film editor), James E. Newcom (associated film editor)
  • Scenario assistant - Barbara Keon
  • Sound - Jack Noyes (recorder)
  • Assistant director - Edmond Bernoudy

Frank S. Nugent of Los New York Times called it "an altogether brilliant film, haunting, suspenseful, handsome and handsomely played." [9] Variedad called it "an artistic success" but warned it was "too tragic and deeply psychological to hit the fancy of wide audience appeal." [10] Film Daily wrote: "Here is a picture that has the mark of quality in every department - production, direction, acting, writing and photography - and should have special appeal to femme fans. It creates a new star in Joan Fontaine, who does fine work in a difficult role, while Laurence Olivier is splendid." [11] Harrison's Reports declared: "A powerful psychological drama for adults. David O. Selznick has given it a superb production, and Alfred Hitchcock has again displayed his directorial skill in building up situations that thrill and hold the spectator in tense suspense." [12] John Mosher of El neoyorquino wrote that Hitchcock "labored hard to capture every tragic or ominous nuance, and presents a romance which is, I think, even more stirring than the novel." [13]

The film currently holds a 100% approval rating on Rotten Tomatoes based on 61 reviews, with a weighted average of 8.86/10. The site's consensus describes it as "a masterpiece of haunting atmosphere, Gothic thrills, and gripping suspense". [14] On Metacritic it has a score of 86 out of 100, based on reviews from 16 critics, indicating "universal acclaim". [15] Rebecca won the Film Daily year-end poll of 546 critics nationwide naming the best films of 1940. [16]

Rebecca was the opening film at the 1st Berlin International Film Festival in 1951. [17] In 2018, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being "culturally, historically, or aesthetically significant." [18] A restored nitrate print of Rebecca was shown at the Grauman's Egyptian Theatre in Hollywood in 2019. The screening was introduced by Christopher Nolan. [19]

Taquilla Editar

The film earned $3 million in US rentals [20] and $1 million in Britain on its initial release. It was re-released in Britain in 1945 and made $460,000. [21]

De acuerdo a Kinematograph Weekly it was the most popular film of 1940 in Britain. [22]

Rebecca won two Academy Awards and was nominated for nine more: [23] It is the only film since 1936 (when awards for actors in supporting roles were first introduced) that, despite winning Best Picture, received no Academy Award for acting, directing or writing.

Premios
Otorgar Category Tema Resultado
premios de la Academia Outstanding Production David O. Selznick (for Selznick International Pictures) Ganado
Best Director Alfred Hitchcock Nominado
Mejor actor Laurence Olivier Nominado
Mejor actriz Joan Fontaine Nominado
Best Supporting Actress Judith Anderson Nominado
Best Screenplay Robert E. Sherwood and Joan Harrison Nominado
Best Art Direction – Black and White Lyle R. Wheeler Nominado
Best Cinematography – Black and White George Barnes [24] Ganado
Best Film Editing Hal C. Kern Nominado
Best Original Score Franz Waxman Nominado
Best Special Effects Jack Cosgrove and Arthur Johns Nominado

Rebecca was twice honored by the AFI in their AFI 100 Years. serie


Goes Hollywood

In 1939 Hitchcock left England with his wife and daughter to settle in Hollywood, California. For the most part his American films of the 1940s were expensively produced and entertaining. These included Rebecca (1940), based on a best-selling suspense novel Suspicion (1941), about a woman who believes her husband is a murderer Lifeboat (1944), a study of survival on the open seas and Spellbound (1945), a murder mystery. Less ambitious but more accomplished was Notorio (1946). Hitchcock's first ten years in Hollywood ended with two interesting failures: The Paradine Case (1947) y Rope (1948).

Beginning with the unusual Extraños en un tren (1951), Hitchcock directed a series of films that placed him among the great artists of modern film. His most important films during that time were I Confess (1953), Rear Window (1954), To Catch a Thief (1955) , The Trouble with Harry (1956), El hombre que sabía demasiado (1956), Vertigo (1958), and North by Northwest (1959). Many of Hitchcock's films deal with the theme of an ordinary person caught up in situations beyond his or her control. Hitchcock himself also made a brief appearance (or ⋊meo") in one scene in each of his films.


8. Homefront

Hitchcock was too young to enlist in the First World War until 1917. At that point, he was recommended to be put to work at home rather than go overseas and fight on the front. As a result, Hitchcock joined the Royal Engineers as a cadet and focused on drills, briefings, and outdoor exercises until the War’s conclusion.

Wikimedia Commons

Vida temprana

Alfred Joseph Hitchcock was born in London, England, on August 13, 1899, and was raised by strict, Catholic parents. He described his childhood as lonely and sheltered, partly due to his obesity. He once said that he was sent by his father to the local police station with a note asking the officer to lock him away for 10 minutes as punishment for behaving badly. He also remarked that his mother would force him to stand at the foot of her bed for several hours as punishment (a scene alluded to in his film Psycho). This idea of being harshly treated or wrongfully accused would later be reflected in Hitchcock&aposs films.


Alfred Hitchcock: from silent film director to inventor of modern horror

C ary Grant runs through a desolate cornfield, pursued by a crop duster overhead. Ingrid Bergman risks her life to go into a wine cellar, looking for a secret. Eva Marie Saint clambers over the faces of the American presidents at Mount Rushmore. Tippi Hedren is pecked at by mysteriously aggressive gulls. James Stewart watches helplessly from a window as Grace Kelly creeps into a murderer's apartment. Kim Novak drives through San Francisco in a trance-like state wearing a grey suit. Janet Leigh takes a shower at the Bates Motel and never comes out.

These movie images could only belong to one director: Alfred Hitchcock, who from the end of June until October is being celebrated in a definitive season at the British Film Institute in London. What is most striking is that all these scenes are wordless. The new BFI retrospective, The Genius of Hitchcock, is a chance to see how his phenomenal instinct for generating moving photographs that etch themselves on the brain and under the skin went back to his roots in the silent era. Alongside his better-known later work, from both Britain and Hollywood, the season features gala screenings of Hitchcock's nine silent features of the 1920s, which, thanks to valiant fundraising from the BFI, have been fully restored. The pleasures of silent Hitchcock cannot compare with those of the polished all-American studio pictures of the 1940s and 1950s. Nevertheless, it is startling to observe that his sensibility and knack for unsettling imagery were already formed. Llevar The Lodger: A Story of the London Fog (1927), about a landlady who suspects that her "queer" lodger is actually a homicidal maniac who targets blondes. With its mix of the domestic and the macabre, we are not too far from Extraños en un tren 24 years later. "Be careful – I'll get you yet!" the putative murderer smilingly warns the landlady's blonde daughter as they play a flirtatious game of chess. Hitchcock's final silent movie, Blackmail (1929), contains a murder with a hand thrashing out of a curtain, foreshadowing the shower scene in Psycho.

This retrospective is a reminder of how prodigious Hitchcock's body of work was. This greengrocer's son from Leytonstone in east London (born in August 1899) had the energy of Dickens and the facility of Picasso, able not merely to adapt his style to changing artistic values but to shape the entire culture of popular film. En Rear Window, he played with the idea that we are all voyeurs at the cinema. Con Psycho, he invented modern horror. He was the master of the overhead shot (to signal menace, isolation or omniscience) and the MacGuffin (a plot device that motivates the characters without needing to make any objective sense). His influence is still everywhere. The character of Betty Draper in Hombres Locos – overgroomed blonde hair, mental fragility, love of horseriding and tailored dresses – is surely a copy of Tippi Hedren's kleptomaniac in Marnie. And would the final section of last year's Oscar-winning The Artist have felt anything like as powerful if it hadn't borrowed large chunks of soundtrack from Vertigo?

There's an endearing photo of the director from 1966, in his trademark black suit next to a tower of all his films. He stands on tiptoe to place the latest addition on the top: Torn Curtain. This was a rare disappointment, a cold war thriller starring Julie Andrews and Paul Newman. But taken as a whole, it is astonishing how many outright masterpieces he created, films you can watch repeatedly, sometimes noticing a new angle, sometimes just thrilling all over again to the same brilliantly framed moments of danger, humour or fear. My top 10 would be Notorio, Vertigo, Rear Window, North by Northwest, The Birds, The Lady Vanishes, Rebecca, Strangers on a Train, The Thirty-Nine Steps y El hombre que sabía demasiado (the second colour version, not the first, though that is memorable too for Peter Lorre's glowering villain). But 10 is nothing like enough. I haven't mentioned To Catch a Thief from 1955. Ostensibly, this is a piece of fluff about cat burglary set in the French Riviera, but it is crammed with moments that are resonant, suspenseful or just plain fun, such as a cigarette being extinguished in a fried egg, Grace Kelly wearing the most ridiculous – yet stunning – gold frock, and one of Hitchcock's most delicious cameos, on a bus, giving Cary Grant a look of plump consternation.

Hitchcock's personal favourite of his movies – a surprising choice – was the relatively unknown Shadow of a Doubt (1943) starring Joseph Cotten as a serial strangler who comes to stay with his adoring older sister and her family in Santa Rosa, California. Bit by bit, the strangler's niece Charlie – who has always doted on her uncle – starts to suspect him. One of many visual cues is the moment when we see Cotten strangling a piece of toast at breakfast. As the tension builds to its climax, the film manifests what the critic Arthur Vesselo called Hitchcock's mastery of contrast, "balancing the normal against the abnormal, slowness against speed, sound against silence, humour against terror".

The cliché about Hitchcock is that the quality of the work was achieved through obsessive control freakery, but consider this: he never gave himself sole writing credit on any of his films. He was happy to work with a range of writers, including John Steinbeck (who wrote Lifeboat, a strange 1944 disaster movie featuring Tallulah Bankhead and a motley assortment of survivors, who end up being saved by the Nazi officer who torpedoed their ship), Thornton Wilder and John Michael Hayes, who wrote four scripts for Hitchcock, including the wonderfully witty Rear Window. Compare and contrast with Orson Welles, whose Citizen Kane was directed by Orson Welles, was produced by Orson Welles, starred Orson Welles and was written by Orson Welles (albeit with the assistance of Herman J Mankiewicz). Having spent two formative years designing title-cards for a movie production company, Hitchcock always understood that film was a collaborative business. Vertigo is as much a showcase for Edith Head's costume designs and Bernard Herrmann's music as it is for Hitchcock's images.

His first and fondest collaborator was his wife Alma Reville, an editor and scriptwriter whom he met in 1921 when working for Famous Players-Lasky in London, on the set of a silent picture called The Prude's Fall. He delayed marrying her for five years, until he had three films under his belt, because – he later hinted – he needed this status to be sure of securing her. Alma's remained the one opinion he minded about most because – their daughter Pat said – "she was the one person who he relied on to tell him the truth". After watching the initial cut of Vertigo, Alma said it was terrific but he must ditch a shot of Kim Novak running across a square where her legs looked fat. "Well, I'm sorry you hate the film, Alma," Hitchcock responded. Sure enough, he cut the offending shot out, even though it caused continuity problems, because without the running, Novak seems to leap from one side of the square to the other. But to please Alma, he changed it. In 1979, when accepting a lifetime achievement award from the American Film Institute, he begged permission to thank four people who had given him the most "constant collaboration". One was a film editor, the second a scriptwriter, the third the best cook he knew and the fourth the mother of his daughter, "and their names are Alma Reville".

The other enduring cliché about Hitchcock was that he was sadistic and controlling to his leading ladies. Donald Spoto's 1983 biography The Dark Side of Genius: The Life of Alfred Hitchcock depicted him as a creep with a mother fixation – a wannabe Norman Bates – whose films were autobiographical projections of his own sick erotic fantasies. For Spoto, he was a "macabre" artist whose unquenchable desire for perfect blondes led him to torture them both on screen and off. It is admittedly true that late in his career something went wrong in his relationship with Tippi Hedren, with whom he became fixated. She was a fashion model when he "discovered" her for The Birds, and he took it upon himself to mould her acting. "I controlled every movement on her face," he told a journalist. The relationship soured on the set of Marnie. Hitch made some kind of indecent proposal to her, as well as chiding her once too often. She then did "what no one is permitted to do. She referred to my weight."

With most of his actors, however, male or female, Hitchcock was remarkably hands-off. "One doesn't direct Cary Grant," he liked to say, "one just puts him in front of a camera." When it came to Grant's clothes, Hitchcock told him to "dress like Cary Grant". This did the trick. The pleasure of watching Cary Grant in a suit – he has a certain debonair way of putting a hand in one trouser pocket – is never greater than in his Hitchcock performances. The director had much the same confidence in James Stewart, mostly leaving him to do his own thing and well he might, given that Stewart's presence in a Hitchcock film meant an extra million dollars at the box office compared with Grant (or so he told the actor James Mason). Hitchcock also gave free rein to Doris Day, Stewart's co-star in the 1956 remake of El hombre que sabía demasiado, even though the role was a significant departure from her usual musical comedy. Day played Stewart's wife, a famous singer who is driven to hysteria when her only child is kidnapped on a trip to Morocco. After the location shoot was finished, Day was left feeling puzzled because "not once, in any situation, did A Hitchcock say a word to me that would have indicated that he was a director". When she eventually asked what was wrong, he replied: "But dear Doris, you've done nothing to elicit comment from me." Sure enough, her undirected performance is one of the best in any Hitchcock film, entirely convincing in its depiction of a controlled woman unravelling in grief.

If he did not allow the same latitude to Joan Fontaine in Rebecca (whom he needled into by far the best performance of her career as the nameless heroine) or Kim Novak in Vertigo, it was not because he was a sadist to women, but because it was what the part required. Para Vertigo, the script stipulated that the lead character of Madeleine wore a grey suit indeed it is integral to the plot. So it wasn't exactly helpful when Novak said she'd prefer to wear any colour "except grey". In forcing Novak to wear the grey suit – just as Scottie forces poor Judy to wear it – Hitchcock was only putting the work first.

Colour was not a trivial detail to Hitchcock: the shading of light and dark on a screen was the larger part of cinema. The critic David Thomson argues that an appreciation of Vertigo is a "test case" for whether you are "a creature of cinema" if you find it implausible – "well, there are always novels". Hitchcock's movies always kept the strong visual sense of his earliest silent pictures. Patrick McGilligan, author of the finest Hitchcock biography (A Life in Darkness and Light, 2003) notes that the most "celebrated sequences" in his films "might as well be silent".

That is certainly true of the famous kiss in Notorio between Ingrid Bergman and Cary Grant. Bergman is Alicia, who agrees to go under cover in Rio de Janeiro, worming her way into the affections of a Nazi Claude Rains on behalf of intelligence officer Devlin (Grant). With its dream cast, it is the most romantic and – for my money – the most perfect Hitchcock film. The scenes in which Alicia is slowly poisoned by the Nazis are as tense as anything he ever did. The kiss between Alicia and Devlin – who spend most of the film proudly denying their love – was cooked up to circumvent the production code's ban on kisses longer than three seconds. Hitchcock asked Grant and Bergman to kiss for a couple of seconds, then disengage and nuzzle each other, then resume, as they talk in low voices about dinner plans. The embrace lasted a total of two and a half minutes, and Bergman said it made her and Grant feel "very awkward". But when you watch it now, the details behind its production fade away. It is so beautiful, you could just sink into it.

If Hitchcock's desires were creepy, it is a creepiness shared by millions of us. Hitchcock once remarked that the Notorio kiss gave the public "the great privilege of embracing Cary Grant and Ingrid Bergman together". As usual, he was right. And though the stars were better and the budgets were bigger, the thrills such a kiss offered were not so very different from the dramatic pictures he and Alma dreamed up in their old silent days.

This article was amended on 16 June 2012. It originally stated that Torn Curtain starred Julie Christie and Paul Newman. The female star was Julie Andrews. This has been corrected.


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